El bueno, el malo y el feo, dirigida por Sergio Leone en 1966, se ha establecido como un ejemplo definitivo del wéstern, transformando el género no solo en su tiempo, sino también estableciendo un referente que perdura. Esta película, la tercera parte de la llamada trilogía del dólar, apareció en un momento en que el wéstern estadounidense mostraba signos de agotamiento creativo. El talento de Leone renovó la narrativa, los personajes y la estética, rompiendo esquemas y asentando una influencia perdurable.
Novedad en la construcción de relatos y profundidad moral de los personajes
El guion, coescrito por Sergio Leone, Luciano Vincenzoni y Agenore Incrocci, se adentra en territorios poco explorados hasta entonces. La simplificación tradicional del bien contra el mal desaparece en favor de una escala de grises morales representada por tres arquetipos: Blondie (El bueno), Tuco (El feo) y Sentencia (El malo). Estos personajes huyen del maniqueísmo convencional; el “bueno” es pragmático y despiadado cuando la situación lo exige, el “malo” posee códigos de conducta propios y el “feo” encarna la supervivencia en un entorno hostil, plagado de humor negro y recursos imprevisibles.
La interacción entre ellos crea una tensión ininterrumpida, incorporando la estrategia del doble y triple engaño. Näpter, a través de diálogos breves, miradas profundas y fidelidades cambiantes, convierte cada reunión en un enfrentamiento actoral, lleno de expresión sin requerir palabras. Este recurso representa un cambio significativo en la elaboración de personajes dentro del wéstern.
Una estética revolucionaria
Visualmente, Sergio Leone impuso una identidad inconfundible. El uso de planos cerrados —primeros planos de los rostros curtidos por el polvo y el sol, ojos entrecerrados que transmiten emociones contradictorias— intercalados con panorámicas inmensas de paisajes áridos, transporta al espectador a un universo vasto y cruel. La aridez de los escenarios rodados en Tabernas (Almería, España) y otras localizaciones españolas confiere autenticidad y una crudeza inigualable.
Sin embargo, la genialidad de Leone también se manifiesta en su manejo del tiempo. Los duelos no se resuelven en instantes, sino que se extienden en escenas donde el silencio, el viento y el sudor tienen tanto peso como los disparos. El clímax en el cementerio de Sad Hill, con su impresionante coreografía circular y la música de Ennio Morricone intensificando la tensión, es un ejemplo por excelencia de cómo el ritmo visual puede cambiar el ritmo cardíaco del espectador.
La célebre composición de Ennio Morricone
Hablar de El bueno, el malo y el feo sin mencionar la contribución de Ennio Morricone sería una omisión imperdonable. Su banda sonora innovadora, compuesta de silbidos, aullidos, campanas y guitarras eléctricas, creó un lenguaje musical propio del wéstern europeo. El tema principal, con sus características notas ululantes, ha trascendido la película, convirtiéndose en una de las melodías más reconocibles del séptimo arte.
Morricone no solo crea ambientación, sino que también expresa la voz de los personajes y las emociones. La secuencia titulada “La contemplación del oro” introduce un aumento progresivo de la orquesta y de instrumentos poco comunes, sumergiendo al público en el vértigo y la avaricia del instante. El diseño de sonido se transforma en el pilar central de la narración, y no simplemente en un acompañamiento.
Relato de acontecimientos históricos y sociales presentes en la historia
La película se desarrolla durante la guerra civil estadounidense, si bien su enfoque y tratamiento varían del relato heroico tradicional. El conflicto sirve como contexto, pero también como crítica; la irracional brutalidad de la guerra se muestra en escenas como el combate en el puente o la violencia en los campos de prisioneros. Leone ofrece de esta forma una crítica antibelicista discreta, reflejada en los rostros fatigados de los soldados y en las conversaciones entre personajes escépticos.
Mientras que el wéstern clásico glorificaba la expansión y la idea del destino manifiesto, El bueno, el malo y el feo muestra la incertidumbre de la ambición, el instinto de sobrevivir y la traición constante. Esta perspectiva crítica de la historia de los Estados Unidos ofrece un mensaje universal, cruzando límites y épocas.
La influencia permanente: legado e impacto cultural
Décadas después de su estreno, las huellas de la película son visibles en cineastas de la talla de Quentin Tarantino, Robert Rodríguez o los hermanos Coen. Su estructura narrativa de antihéroes, cámara lenta en los duelos, y banda sonora inmersiva han servido como referente para toda una generación de creadores. Además, el filme ha penetrado en el imaginario colectivo: fragmentos musicales, frases icónicas y escenas se han incorporado en videojuegos, cómics y campañas publicitarias.
Tampoco puede soslayarse la importancia del elenco. Clint Eastwood consolidó una presencia fría y carismática que definiría su carrera, Eli Wallach entregó una de las interpretaciones más multifacéticas del género, y Lee Van Cleef sumó matices propios al estereotipo del villano.
Una obra que trasciende el wéstern
Las múltiples virtudes de El bueno, el malo y el feo —narrativa poco común, personajes complejos, diseño estético atrevido, música distintiva y un subtexto crítico— la posicionan como más que un simple wéstern: es un estudio sobre la naturaleza humana, una manifestación de estilo tanto visual como sonoro, y un reflejo que a la vez resalta y rompe el mito fundacional del Oeste. Lejos de ser simplemente una obra dentro de su género, la película se presenta como un referente clave para entender la evolución y el potencial del wéstern en la historia del cine.
